24/12/2010
15/12/2010
Aniversário da Flores de Guache
Hoje a Flores de Guache completa 3 anos.
Para dividir a nossa alegria oferecemos descontos especias. Vale a pena conferir!
Aproveitamos para parabenizar o renomado arquiteto Oscar Niemeyer que completa 103 anos.
"Oscar Ribeiro de Almeida de Niemeyer Soares Filho (Rio de Janeiro, 15 de dezembro de 1907) é um arquiteto brasileiro, considerado um dos nomes mais influentes na Arquitetura Moderna internacional. Foi pioneiro na exploração das possibilidades construtivas e plásticas do concreto armado.
Seus trabalhos mais conhecidos são os edifícios públicos que desenhou para a cidade de Brasília.
"Não é o ângulo reto que me atrai, nem a linha reta, dura, inflexível, criada pelo homem. O que me atrai é a curva livre e sensual, a curva que encontro nas montanhas do meu país, no curso sinuoso dos seus rios, nas ondas do mar, no corpo da mulher preferida. De curvas é feito todo o universo, o universo curvo de Einstein.""
Fonte: http://pt.wikipedia.org/wiki/Oscar_Niemeyer
Para dividir a nossa alegria oferecemos descontos especias. Vale a pena conferir!
Aproveitamos para parabenizar o renomado arquiteto Oscar Niemeyer que completa 103 anos.
"Oscar Ribeiro de Almeida de Niemeyer Soares Filho (Rio de Janeiro, 15 de dezembro de 1907) é um arquiteto brasileiro, considerado um dos nomes mais influentes na Arquitetura Moderna internacional. Foi pioneiro na exploração das possibilidades construtivas e plásticas do concreto armado.
Seus trabalhos mais conhecidos são os edifícios públicos que desenhou para a cidade de Brasília.
"Não é o ângulo reto que me atrai, nem a linha reta, dura, inflexível, criada pelo homem. O que me atrai é a curva livre e sensual, a curva que encontro nas montanhas do meu país, no curso sinuoso dos seus rios, nas ondas do mar, no corpo da mulher preferida. De curvas é feito todo o universo, o universo curvo de Einstein.""
Fonte: http://pt.wikipedia.org/wiki/Oscar_Niemeyer
Abstrato Vermelho
Marisa Ranali
O s T
80X100cm
2003
Vendido
Visite a Galeria da Artista Marisa Ranali no Flickr:
http://www.flickr.com/photos/marisaranali/
O s T
80X100cm
2003
Vendido
Visite a Galeria da Artista Marisa Ranali no Flickr:
http://www.flickr.com/photos/marisaranali/
21/11/2010
Exposição: Verdade – Fraternidade no Museu Lasar Segall - de 20 nov a 20 fev 2011
Secessão de Dresden – Grupo 1919, que reúne artistas irmanados no ideal de uma arte interiormente verdadeira, com preocupações sociais. No Estatuto divulgado quando da fundação do grupo, em janeiro de 1919, que destaca as palavras de ordem VERDADE – FRATERNIDADE – ARTE, esses jovens revolucionários se autoproclamam ‘O Futuro’. Seus fundadores são: Peter August Böckstiegel, Otto Dix, Will Heckrott, Otto Lange, Constantin von Mitschke-Collande, Conrad Felixmüller, Otto Schubert, Lasar Segall, a escultora Gela Forster e o arquiteto e escritor Hugo Zehder. Oskar Kokoschka é membro estrangeiro convidado. Outros nomes se juntam depois ao grupo inicial.
As artes gráficas são valorizadas, com destaque para a xilogravura e sua função como panfleto. Publicações como Menschen (Homens) e Neue Blätter für Kunst und Dichtung (Novas folhas para arte e literatura) dão suporte ao grupo, reproduzindo suas obras e publicando ensaios críticos. O Grupo 1919 editou um álbum com doze gravuras, exibidas nesta mostra do Museu Lasar Segall, e fez exposições, inclusive com artistas convidados – entre os quais Lyonel Feininger, Eugen Hoffmann, George Grosz e Kurt Schwitters, também aqui representados. Uma sensibilidade aberta à arte internacional permitiu que se espelhassem em personalidades como o austríaco Egon Schiele e o russo Marc Chagall. As obras e as idéias de artistas como Max Pechstein, Karl Schmidt-Rottluff, Käthe Kollwitz, Paul Klee e Wassily Kandinsky também foram referências importantes.
Esta segunda geração dos expressionistas explorou as cenas de portos e barcos que anunciavam a aventura do desconhecido e, como seus antecessores do grupo A Ponte (1905), privilegiaram o primitivo, a natureza, o nu e a energia dionisíaca da sexualidade como força subversiva de renovação e regeneração.
Vera d’Horta
Exposição: Verdade – Fraternidade – Arte: Secessão de Dreden – Grupo 1919 e contemporâneos
Curadoria: Vera d’Horta
Exposição: 20 de novembro de 2010 a 20 de fevereiro de 2011
Local: Museu Lasar Segall – Ibram – MinC
Horários: terça a sábado e feriados, das 14h00 às 19h00, domingos, das 14h00 às 18h00
As artes gráficas são valorizadas, com destaque para a xilogravura e sua função como panfleto. Publicações como Menschen (Homens) e Neue Blätter für Kunst und Dichtung (Novas folhas para arte e literatura) dão suporte ao grupo, reproduzindo suas obras e publicando ensaios críticos. O Grupo 1919 editou um álbum com doze gravuras, exibidas nesta mostra do Museu Lasar Segall, e fez exposições, inclusive com artistas convidados – entre os quais Lyonel Feininger, Eugen Hoffmann, George Grosz e Kurt Schwitters, também aqui representados. Uma sensibilidade aberta à arte internacional permitiu que se espelhassem em personalidades como o austríaco Egon Schiele e o russo Marc Chagall. As obras e as idéias de artistas como Max Pechstein, Karl Schmidt-Rottluff, Käthe Kollwitz, Paul Klee e Wassily Kandinsky também foram referências importantes.
Esta segunda geração dos expressionistas explorou as cenas de portos e barcos que anunciavam a aventura do desconhecido e, como seus antecessores do grupo A Ponte (1905), privilegiaram o primitivo, a natureza, o nu e a energia dionisíaca da sexualidade como força subversiva de renovação e regeneração.
Vera d’Horta
Exposição: Verdade – Fraternidade – Arte: Secessão de Dreden – Grupo 1919 e contemporâneos
Curadoria: Vera d’Horta
Exposição: 20 de novembro de 2010 a 20 de fevereiro de 2011
Local: Museu Lasar Segall – Ibram – MinC
Horários: terça a sábado e feriados, das 14h00 às 19h00, domingos, das 14h00 às 18h00
14/11/2010
TOY ART
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| Kaws exhibition 2010 in Hong Kong |
Toy art, Urban Vinyl ou Designer Toys, são vários os termos que definem o conceito "brinquedo de arte". Brinquedo que não é feito para brincar e nem para as crianças, são dirigidos para adolecentes e adultos, para decorar ou colecionar. Toy art tem conceito diferente de escultura artística. São personagens criados por grafiteiros, artistas e ilustradores, criação de um universo irreal, personagens inusitados de seus criadores, que tornam reais esses divertidos bonequinhos parecidos com monstrinhos, ETs ou bichinhos, também podem ser baseados em personagens famosos do desenho animado como o Mickey ou mascotes como o palhaço "Ronald McDonald´s".
Toy Art é uma manifestação contemporânea que se apropria de brinquedo para lançar essas artes com tema que pode ser cômico, subversivo, meigo, violento, político, urbano, erótico e bem criativo. O intuito é chamar a atenção do observador para algo único. Um toy art sempre terá tiragem limitada, numerada ou assinada, e não será relançado, a não ser se for criada nova versão de grafismo. Os materiais utilizados para essas criações são diversos mas o vinil é o mais conhecido e a pelúcia também. O custo da produção em vinil é elevado e a questão da excluvidade faz com que o custo final do toy art em vinil seja elevado, como de uma obra de arte, não deve ser comparado a um brinquedo que tem linha de produção e se destina ao consumo em massa.
Existem vários artistas conhecidos neste segmento da arte como o americano Paul Budnitz, da Kidrobot, o Brian Donnelly nome artistico Kaws, começou a carreira como artista de graffiti e também produziu edições limitadas no toy art, Gary Baseman, ilustrador, pintor, cartunista, designer e animador, o italiano Simone Legno criador da marca Tokidoki, o japones Spanky, entre outros.
Coloridos ou não, descolados e debochados, os Toy Art vem conquistando cada vez mais seu espaço e acreditamos que veio para ficar!
13/11/2010
DRESDEN: LAR DOS ANJOS MAIS FAMOSOS DO NATAL
Enquanto os anjos da "Madona Sistina" de Rafael estampam cartões de Natal e papéis de presente no mundo todo, Dresden aproveita a posse da obra para atrair visitantes.Conforme se aproxima o Natal, dois dos mais famosos anjos da história da arte ressurgem, estampados em cartões de Natal e papéis de presente do mundo todo, com suas bochechas avermelhadas, seus cachos castanhos e os grandes olhos voltados para o céu. Um dos motivos mais copiados e queridos, os anjos são sinônimo de arte e kitsch, ao mesmo tempo.
Mas poucos sabem que, na verdade, os pequenos querubins são parte de uma das pinturas mais famosas do mundo. "A maioria nem imagina que os anjos podem ser vistos em Dresden", conta Andreas Henning, curador responsável por pintura italiana no museu Gemäldegalerie Alte Meister, onde eles se encontram, aos pés da Madona Sistina de Rafael.
Pintada em torno de 1512 e 1513, a obra chegou à cidade às margens do Elba em 1754, vinda da Igreja de San Sisto em Piacenza. Segundo Henning, trata-se de uma imagem natalina, que "representa a encarnação de Cristo, com a Madona trazendo o Menino Jesus à Terra". Rafael teria utilizado a imagem das duas crianças de aparência infantil e terrena para reforçar a idéia.
No entanto, foi de última hora que elas acabaram sendo incluídas na composição. "Rafael pintou os dois anjos só no final, com pinceladas superficiais por sobre as nuvens", relata.
Cinqüenta anos após a aquisição da obra pelo príncipe eleitor Augusto 3º da Saxônia, os copistas já faziam fila diante da Madona. "Os querubins foram desacoplados do resto da imagem pela primeira vez em 1803, ao serem inseridos cada um em uma obra do pintor August von der Embde", conta Henning. As duas telas faziam parte da decoração do castelo de Wilhelmshöhe, em Kassel. "Sem a Madona, os olhares dos anjos estão voltados diretamente para o céu."
Fonte: http://www.dw-world.de/dw/article/0,,3011465,00.html
01/08/2010
Arte em Nova York
Nova York é uma metrópole encantadora. A cidade é agitada e os eventos de arte são constantes. Visitar o SoHo é algo imperdível, este bairro (forma abreviada de South of Houston) foi um distrito industrial no século dezenove e refúgio de artistas no século vinte, nesta área movimentada, onde ficavam as antigas fábricas e onde se espalhavam os lofts, que hoje funcionam como restaurantes, lojas elegantes, galerias de arte famosas e residências extravagantes, ganhou vida e muito charme!
Existe uma grande quantidade de museus a serem explorados em Nova York como o imponente The Metropolitan Museum of Art - "1000 Fifth Avenue at 82nd Street", chamado the Met, ele foi fundado em 13 de abril de 1870 e é um dos maiores museus do mundo, possui um acervo com mais de 2 milhões de obras de arte que inclui peças desde a pré-história até os dias de hoje e de toda a parte do mundo. Não é possível ver tudo isso num só dia.
O MoMA, The Museum of Modern Art - "11 West 53 Street", fundado em 1929, passou por várias mudanças. Nesta década foi reformado, cresceu e reabriu num lindo prédio, com arquitetura de Yoshio Taniguchi e o Cullman Building abriu em novembro de 2006. Desde o início foi idealizado para ser o maior museu de arte moderna do mundo.
Outro importante museu é o famoso Solomon R. Guggenheim Museum - "1071 Fifth Avenue (at 89th Street)" de arquitetura espetacular em forma de espiral, foi projetado por Frank Lloyd Wright e inaugurado ao público em 21 de outubro de 1959. Possui rampas para os visitantes irem descendo e admirando tudo. Dica: Pegue o elevador até o último andar e vá descendo à pé, possui um ótimo acervo.
O museu The Frick Collection - "1 East 70th Street", está instalado na antiga mansão de Henry Clay Frick, construída em 1913, do magnata americano que foi grande colecionador de alguns tesouros. Ele morreu em 1919 e deixou a casa, a arte e a mobília para uso de sua esposa, após a morte da esposa em 1931 a família começou a transformação da residência no museu que foi aberto em dezembro de 1935. É uma jóia, pequeno, porém possui um acervo significante, incluindo obras de Rembrandt van Rijn, Giovanni Bellini, El Greco, Frans Hals, Johannes Vermeer, Francois Boucher, Thomas Gainsborough, Sir Joshua Reynolds, Joseph Mallord William Turner, James McNeill Whistler, Francesco Laurana, Jean-Antoine Houdon, e Severo Calzetta da Ravenna. Posui também porcelanas chinesas entre outras peças.
O New Museum of Contemporary Art - "235 Bowery". Fundado em 1977 por Marcia Tucker. Em 2002 foi anunciado a construção do novo prédio, inaugurado em 2005, com espetacular arquitetura de arquitetos japoneses Kazuyo Sejima e Ryue Nishizawa é um museu de arte contemporânea e pretende ser incubador de novas idéias. Neue Galerie dos mesmos arquitetos da NY Public Library a Neue Galerie foi aberta em belo edifício de1914. O museu tem obras alemãs e austríacas do começo do séc. XX. São 3 andares para apreciadores das belezas de Vienna de1900, Vasily Kandinsky, August Macke,Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Hermann Max Pechstein, Karl Schmidt-Rottluff, da Bauhaus; Lyonel Feininger, Paul Klee, László Moholy-Nagy, etc. Não deixe de tomar um café vienense no Sabarsky, para deliciar-se, localizado no 1048 5th Ave com 86 th St.
Entre outros como o Brooklin Museum, MAD Museum of Arts & Design, The Whitney Museum of American Art, e também de museus temáticos como o Museu de Cera Madame Tussauds, Museu de História Natural American Museum of Natural History, Museu de Folk Art American Folk Art Museum, Museu de Rádio e Televisao The Paley Center for Media, Museu de Fotografia International Center of Photography e o The American Guitar Museum, impossível deixar a Big Apple sem visitar pelo menos um de seus maravilhosos museus de arte!
Existe uma grande quantidade de museus a serem explorados em Nova York como o imponente The Metropolitan Museum of Art - "1000 Fifth Avenue at 82nd Street", chamado the Met, ele foi fundado em 13 de abril de 1870 e é um dos maiores museus do mundo, possui um acervo com mais de 2 milhões de obras de arte que inclui peças desde a pré-história até os dias de hoje e de toda a parte do mundo. Não é possível ver tudo isso num só dia.
O MoMA, The Museum of Modern Art - "11 West 53 Street", fundado em 1929, passou por várias mudanças. Nesta década foi reformado, cresceu e reabriu num lindo prédio, com arquitetura de Yoshio Taniguchi e o Cullman Building abriu em novembro de 2006. Desde o início foi idealizado para ser o maior museu de arte moderna do mundo.
Outro importante museu é o famoso Solomon R. Guggenheim Museum - "1071 Fifth Avenue (at 89th Street)" de arquitetura espetacular em forma de espiral, foi projetado por Frank Lloyd Wright e inaugurado ao público em 21 de outubro de 1959. Possui rampas para os visitantes irem descendo e admirando tudo. Dica: Pegue o elevador até o último andar e vá descendo à pé, possui um ótimo acervo.
O museu The Frick Collection - "1 East 70th Street", está instalado na antiga mansão de Henry Clay Frick, construída em 1913, do magnata americano que foi grande colecionador de alguns tesouros. Ele morreu em 1919 e deixou a casa, a arte e a mobília para uso de sua esposa, após a morte da esposa em 1931 a família começou a transformação da residência no museu que foi aberto em dezembro de 1935. É uma jóia, pequeno, porém possui um acervo significante, incluindo obras de Rembrandt van Rijn, Giovanni Bellini, El Greco, Frans Hals, Johannes Vermeer, Francois Boucher, Thomas Gainsborough, Sir Joshua Reynolds, Joseph Mallord William Turner, James McNeill Whistler, Francesco Laurana, Jean-Antoine Houdon, e Severo Calzetta da Ravenna. Posui também porcelanas chinesas entre outras peças.
O New Museum of Contemporary Art - "235 Bowery". Fundado em 1977 por Marcia Tucker. Em 2002 foi anunciado a construção do novo prédio, inaugurado em 2005, com espetacular arquitetura de arquitetos japoneses Kazuyo Sejima e Ryue Nishizawa é um museu de arte contemporânea e pretende ser incubador de novas idéias. Neue Galerie dos mesmos arquitetos da NY Public Library a Neue Galerie foi aberta em belo edifício de1914. O museu tem obras alemãs e austríacas do começo do séc. XX. São 3 andares para apreciadores das belezas de Vienna de1900, Vasily Kandinsky, August Macke,Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Hermann Max Pechstein, Karl Schmidt-Rottluff, da Bauhaus; Lyonel Feininger, Paul Klee, László Moholy-Nagy, etc. Não deixe de tomar um café vienense no Sabarsky, para deliciar-se, localizado no 1048 5th Ave com 86 th St.
Entre outros como o Brooklin Museum, MAD Museum of Arts & Design, The Whitney Museum of American Art, e também de museus temáticos como o Museu de Cera Madame Tussauds, Museu de História Natural American Museum of Natural History, Museu de Folk Art American Folk Art Museum, Museu de Rádio e Televisao The Paley Center for Media, Museu de Fotografia International Center of Photography e o The American Guitar Museum, impossível deixar a Big Apple sem visitar pelo menos um de seus maravilhosos museus de arte!
12/05/2010
Keith Haring
Neste ano completou 20 anos da morte do artista Keith Haring (4/5/1958 - 16/2/1990).
A Flores de Guache é fã do Keith e oferece suas "gravuras print serie", temos preços especiais !
Keith foi um dos melhores designers gráficos dos anos 80 e famoso artista de rua com reconhecimento internacional. Nascido no estado de Pensilvânia, desde cedo mostrou interesse pelas artes plásticas. De 1976 até 1978 estudou design gráfico numa escola de arte em Pittsburgh. Antes de acabar o curso, transfere-se para Nova Iorque, onde seria grandemente influenciado pelos graffitis, inscrevendo-se na School of Visual Arts.
Em 1988, Haring foi diagnosticado com AIDS. Em 1989 ele estabeleceu a Keith Haring Foundation, com o propósito de programas em combate a AIDS.
A Editora Cosac Naify lançou recentemente o livro de Keith Haring "O livro da Nina para guardar pequenas coisas". "O artista pop norte-americano Keith Haring deu à filha de seu amigo e pintor italiano Francesco Clemente um presente muito especial. Em seu sétimo aniversário, Nina recebeu um livro totalmente personalizado, escrito e ilustrado por Haring de maneira artesanal. “Se quiser colecionar coisas grandes, arrume uma caixa”, diz ele no “manual de instruções” do livro, indicando que o objeto deveria ser usado apenas para as coisas mais singelas que Nina visse, ouvisse, ganhasse – e quisesse guardar. Guardar colando, pintando, desenhando, escrevendo, achatando etc." fonte: Cosac Naify
Keith foi um dos melhores designers gráficos dos anos 80 e famoso artista de rua com reconhecimento internacional. Nascido no estado de Pensilvânia, desde cedo mostrou interesse pelas artes plásticas. De 1976 até 1978 estudou design gráfico numa escola de arte em Pittsburgh. Antes de acabar o curso, transfere-se para Nova Iorque, onde seria grandemente influenciado pelos graffitis, inscrevendo-se na School of Visual Arts.
Em 1988, Haring foi diagnosticado com AIDS. Em 1989 ele estabeleceu a Keith Haring Foundation, com o propósito de programas em combate a AIDS.
A Editora Cosac Naify lançou recentemente o livro de Keith Haring "O livro da Nina para guardar pequenas coisas". "O artista pop norte-americano Keith Haring deu à filha de seu amigo e pintor italiano Francesco Clemente um presente muito especial. Em seu sétimo aniversário, Nina recebeu um livro totalmente personalizado, escrito e ilustrado por Haring de maneira artesanal. “Se quiser colecionar coisas grandes, arrume uma caixa”, diz ele no “manual de instruções” do livro, indicando que o objeto deveria ser usado apenas para as coisas mais singelas que Nina visse, ouvisse, ganhasse – e quisesse guardar. Guardar colando, pintando, desenhando, escrevendo, achatando etc." fonte: Cosac Naify
29/04/2010
Exposição "Cálculo da Expressão" no Museu Lasar Segall
Exposição de gravuras de Oswaldo Goeldi, Lasar Segall e Iberê Camargo de 24/04/2010 até 10/07/2010 no Museu Lasar Segall, vale a pena conferir!
"A mostra pretende estabelecer um vínculo entre Iberê Camargo, Osvaldo Goeldi e Segall que, em âmbito geral, podem ser associados ao expressionismo. Ramo da arte pouco explorado no Brasil, a gravura fez parte da produção desses três artistas e a comparação pode ser feita, especialmente no que se refere a universos mais soturnos. “Queria destacar essa vertente da modernidade e perceber a aproximação e a diferença entre cada um dos artistas. É uma mostra que possibilita perceber essa similaridade e esse distanciamento”, explica a curadora Vera Beatriz Siqueira.
Apesar das semelhanças, é importante ressaltar as particularidades de cada um. Calcado na xilogravura, Goeldi tem um traço mais violento, em contraposição a Segall, por exemplo, que tem uma formação mais culta. Já Iberê tem uma diferença de geração com os outros dois e, portanto, sua produção é mais contemporânea. “Segall tem uma arte muito culta, com temas e assuntos sempre eruditos. Já Goeldi tem um gesto mais bárbaro, pegando o mundo pelas sombras, pelas franjas, retratando um Rio de Janeiro quase deserto, com ruas solitárias. Por fim, Iberê lida com a abstração, flertando com o gesto violento de Goeldi, mas não mais com a expressão romântica dele”, enumera Vera.
A curadora esclarece ainda que a escolha do nome Cálculo da Expressão se justifica não apenas por fazer referência ao expressionismo, mas também por pensar no outro lado dessa moeda, que é o cálculo. “O procedimento da gravura é muito artesanal, o que já estabelece uma relação entre o conteúdo expressivo e o processo de criação da imagem”, completa a curadora. A exposição fica em cartaz até 10/09. "
fonte: Revista Época
Leia texto da curadora
Museu Lasar Segall: Rua Berta 111, Vila Mariana. Estação Santa Cruz de metrô. Terça a sábado e feriados, 14h/19h; domingo, 14h/19h. Até 10/7. Grátis.
"A mostra pretende estabelecer um vínculo entre Iberê Camargo, Osvaldo Goeldi e Segall que, em âmbito geral, podem ser associados ao expressionismo. Ramo da arte pouco explorado no Brasil, a gravura fez parte da produção desses três artistas e a comparação pode ser feita, especialmente no que se refere a universos mais soturnos. “Queria destacar essa vertente da modernidade e perceber a aproximação e a diferença entre cada um dos artistas. É uma mostra que possibilita perceber essa similaridade e esse distanciamento”, explica a curadora Vera Beatriz Siqueira.
Apesar das semelhanças, é importante ressaltar as particularidades de cada um. Calcado na xilogravura, Goeldi tem um traço mais violento, em contraposição a Segall, por exemplo, que tem uma formação mais culta. Já Iberê tem uma diferença de geração com os outros dois e, portanto, sua produção é mais contemporânea. “Segall tem uma arte muito culta, com temas e assuntos sempre eruditos. Já Goeldi tem um gesto mais bárbaro, pegando o mundo pelas sombras, pelas franjas, retratando um Rio de Janeiro quase deserto, com ruas solitárias. Por fim, Iberê lida com a abstração, flertando com o gesto violento de Goeldi, mas não mais com a expressão romântica dele”, enumera Vera.
A curadora esclarece ainda que a escolha do nome Cálculo da Expressão se justifica não apenas por fazer referência ao expressionismo, mas também por pensar no outro lado dessa moeda, que é o cálculo. “O procedimento da gravura é muito artesanal, o que já estabelece uma relação entre o conteúdo expressivo e o processo de criação da imagem”, completa a curadora. A exposição fica em cartaz até 10/09. "
fonte: Revista Época
Leia texto da curadora
Museu Lasar Segall: Rua Berta 111, Vila Mariana. Estação Santa Cruz de metrô. Terça a sábado e feriados, 14h/19h; domingo, 14h/19h. Até 10/7. Grátis.
27/03/2010
Niagara Detroit
21/03/2010
Andy Warhol - Promoção Flores de Guache
20/03/2010
Exposição “Andy Warhol, mr. America”, na Pinacoteca de São Paulo
Vale a pena mergulhar no universo de Warhol com “Andy Warhol, mr. America”, em cartaz à partir de 20 de março, na Pinacoteca, em São Paulo, reúne um grande número de criações do artista, entre pinturas, gravuras, fotografias, filmes e instalações. São Paulo será o último ponto de parada da mostra, “Andy Warhol, mr. America” , que já passou por Bogotá e Buenos Aires e ficará em cartaz na Estação Pinacoteca até o dia 23 de maio.
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“Warhol já trabalhava com computadores nos anos 80, sempre estava procurando pela próxima onda. Ele teria descoberto a importância da internet antes que qualquer um”, aposta o curador da exposição, o canadense Philip Larratt-Smith. “Com certeza ele iria se aproveitar do YouTube para lançar seus filmes. Aliás, o conceito de suas produções para o cinema tinham muito a ver com os realities shows. Numa versão até mais radical, pois não havia edição”.
Segundo o curador, além de trazer os icônicos retratos coloridos de Marylin Monroe e Mao Tse-Tung e a lata de sopa Campbell – críticas a sociedade narcisista e do consumo padronizado do pós-guerra – “Andy Warhol, mr. America” tem o objetivo de mostrar o lado “político” do artista.
“Warhol costuma ser visto como um popstar, que só se inspirava em coisas superficiais, que andava com famosos, como se não tivesse nenhum osso político em seu corpo”, analisa Larratt-Smith. “No entanto, o que ele fez foi documentar o colapso entre as esferas públicas e privadas da vida cultural e social americana. E conseguiu fazer isso por meio de um código vanguardista e de apelo popular”.
fonte: Globo
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A pop art surgiu na Inglaterra de meados dos anos 50, mas realizou o seu potencial na Nova York dos anos 60 e Andy Warhol (Andrew Warhola, 1928-1987), foi o mais famoso expoente da Pop Art, ele criou pinturas quase fotográficas de pessoas e objetos do dia-a-dia.
No passado alguns o consideravam um gênio e outros o acusavam. Começou como artista publicitário, mesclou fotos comerciais em sua obra, primeiramente serigrafando-as ele mesmo e depois transferindo processos para funcionários de seu ateliê, por ele direcionados.
Em 1964, o The Factory (A Fábrica), um galpão com 496 metros quadrados de área, no 4º. andar do número 231 na rua 47 Leste, em Manhattan, Nova York, antiga fábrica de chapéus, se transformou no estúdio do artista e alternava entre um clima misterioso e o puro glamour. As paredes foram cobertas por papel alumínio e o resto do loft, do chão ao teto, incluindo vaso sanitário, maçanetas, janelas, estava pintado com tinta prateada,. Na entrada, a parte de baixo de um manequim prateado, claro, recebia as pessoas. Lá dentro, noite e dia confundiam-se e para se ter certeza mesmo do tempo, só pegando de volta o elevador de carga e saindo à rua. A vida ao lado de Andy Warhol era pura euforia. De 1964 a 1968, a Factory foi uma espécie de laboratório, no limite entre um endereço dedicado à criação cultural e um espaço para encontros sociais.
Dono de um espírito voyeur, Warhol raramente estava no centro de uma ação, ficava mais observando o desenrolar das coisas ao redor. Seu magnetismo era o grande responsável por instigar atitudes inusitadas nos colegas.
Muito antes de o Twitter ser inventado, Warhol acumulava uma legião de seguidores. E, ao seu redor, ninguém agia de acordo com manuais de etiqueta. O artista, que em 1965 declarou-se um pintor aposentado, interessado somente realizar seus filmes, instigava os colegas a adotar as mais ousadas posturas. Afinal, qualquer atitude poderia lhe servir como matéria-prima para o cinema. Na Factory, ao som geralmente de ópera, em especial Maria Callas - isso até os grupos The Rolling Stones e o The Velvet Underground tomarem conta do pedaço, os amigos circulavam muitas vezes nus, animados por boas doses de anfetaminas, livres para protagonizar qualquer tipo de "experimentação artística".
Warhol finalizou mais de quinhentos filmes, um disco, um romance, e centenas de fotografias. Mas sua maior obsessão mesmo era a possibilidade de conhecer famosos e naturalmente se tornar um deles e com a Factory, conseguiu. Ela tinha um clima bem de festa, no sentido de os amigos irem se reunindo com o avançar das horas para jogar conversa fora e brincar. Uma brincadeira ou outra virava obra de arte.
Fã ardoroso das celebridades, ele entendia o caráter transitório da fama. Criador da frase “Quinze minutos de Fama”, “In the future everybody will be famous for fifteen minutes”, ‘no futuro todo mundo será famoso por 15 minutos”, antecipou tendências do mundo de hoje.
Fonte: Bravo
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“Warhol já trabalhava com computadores nos anos 80, sempre estava procurando pela próxima onda. Ele teria descoberto a importância da internet antes que qualquer um”, aposta o curador da exposição, o canadense Philip Larratt-Smith. “Com certeza ele iria se aproveitar do YouTube para lançar seus filmes. Aliás, o conceito de suas produções para o cinema tinham muito a ver com os realities shows. Numa versão até mais radical, pois não havia edição”.
Segundo o curador, além de trazer os icônicos retratos coloridos de Marylin Monroe e Mao Tse-Tung e a lata de sopa Campbell – críticas a sociedade narcisista e do consumo padronizado do pós-guerra – “Andy Warhol, mr. America” tem o objetivo de mostrar o lado “político” do artista.
“Warhol costuma ser visto como um popstar, que só se inspirava em coisas superficiais, que andava com famosos, como se não tivesse nenhum osso político em seu corpo”, analisa Larratt-Smith. “No entanto, o que ele fez foi documentar o colapso entre as esferas públicas e privadas da vida cultural e social americana. E conseguiu fazer isso por meio de um código vanguardista e de apelo popular”.
fonte: Globo
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A pop art surgiu na Inglaterra de meados dos anos 50, mas realizou o seu potencial na Nova York dos anos 60 e Andy Warhol (Andrew Warhola, 1928-1987), foi o mais famoso expoente da Pop Art, ele criou pinturas quase fotográficas de pessoas e objetos do dia-a-dia.
No passado alguns o consideravam um gênio e outros o acusavam. Começou como artista publicitário, mesclou fotos comerciais em sua obra, primeiramente serigrafando-as ele mesmo e depois transferindo processos para funcionários de seu ateliê, por ele direcionados.
Em 1964, o The Factory (A Fábrica), um galpão com 496 metros quadrados de área, no 4º. andar do número 231 na rua 47 Leste, em Manhattan, Nova York, antiga fábrica de chapéus, se transformou no estúdio do artista e alternava entre um clima misterioso e o puro glamour. As paredes foram cobertas por papel alumínio e o resto do loft, do chão ao teto, incluindo vaso sanitário, maçanetas, janelas, estava pintado com tinta prateada,. Na entrada, a parte de baixo de um manequim prateado, claro, recebia as pessoas. Lá dentro, noite e dia confundiam-se e para se ter certeza mesmo do tempo, só pegando de volta o elevador de carga e saindo à rua. A vida ao lado de Andy Warhol era pura euforia. De 1964 a 1968, a Factory foi uma espécie de laboratório, no limite entre um endereço dedicado à criação cultural e um espaço para encontros sociais.
Dono de um espírito voyeur, Warhol raramente estava no centro de uma ação, ficava mais observando o desenrolar das coisas ao redor. Seu magnetismo era o grande responsável por instigar atitudes inusitadas nos colegas.
Muito antes de o Twitter ser inventado, Warhol acumulava uma legião de seguidores. E, ao seu redor, ninguém agia de acordo com manuais de etiqueta. O artista, que em 1965 declarou-se um pintor aposentado, interessado somente realizar seus filmes, instigava os colegas a adotar as mais ousadas posturas. Afinal, qualquer atitude poderia lhe servir como matéria-prima para o cinema. Na Factory, ao som geralmente de ópera, em especial Maria Callas - isso até os grupos The Rolling Stones e o The Velvet Underground tomarem conta do pedaço, os amigos circulavam muitas vezes nus, animados por boas doses de anfetaminas, livres para protagonizar qualquer tipo de "experimentação artística".
Warhol finalizou mais de quinhentos filmes, um disco, um romance, e centenas de fotografias. Mas sua maior obsessão mesmo era a possibilidade de conhecer famosos e naturalmente se tornar um deles e com a Factory, conseguiu. Ela tinha um clima bem de festa, no sentido de os amigos irem se reunindo com o avançar das horas para jogar conversa fora e brincar. Uma brincadeira ou outra virava obra de arte.
Fã ardoroso das celebridades, ele entendia o caráter transitório da fama. Criador da frase “Quinze minutos de Fama”, “In the future everybody will be famous for fifteen minutes”, ‘no futuro todo mundo será famoso por 15 minutos”, antecipou tendências do mundo de hoje.
Fonte: Bravo
27/02/2010
Van Gogh - Moinho Le Blute-Fin
Um novo quadro do pintor impressionista holandês Van Gogh (1853-1890), que não figurava nos catálogos, foi encontrado num museu da Holanda, e retrata o moinho Le Blute-Fin.
Desde o dia 24 de fevereiro 2010 o quadro está sendo exposto no Museum de Fundatie.
O Museu Van Gogh de Amesterdã confirmou que “Le Blute Fin” é de fato um Van Gogh. Louis van Tilborgh, conservador do museu Van Gogh e um dos responsáveis pela autentificação de obras, citado pela edição online do “El Pais”, explicou que o quadro suscitou sempre várias dúvidas, além das criadas pela reputação do seu proprietário. “Trata-se de um tema duvidoso escolhido por Van Gogh. Tem figuras muito grandes e coloridas, pouco frequentes no seu trabalho”. Mas após análises mais alargadas, Louis van Tilborgh e a sua equipe concluíram que se tratava de um Van Gogh autêntico através de marcas que o pintor fazia para se orientar na perspectiva e de pigmentos usados na época em cores como o roxo e o verde. O Museu Van Gogh reconhece que se trata de um tema “raro” retratado pelo pintor “mas que se encaixa no que fazia em 1886”, data da pintura.
10/02/2010
sp-arte/2010 29 abr-2 mai
Vale a pena visitar a SP-ARTE – Feira Internacional de Arte de São Paulo. Este ano o evento comemorará sua sexta edição com a participação de cerca de 80 galerias de arte moderna e contemporânea e vários convidados do exterior, curadores de coleções particulares e museus como Tate, Pompidou, MALI e MUSAC.
Inspirada nas grandes feiras internacionais de arte como Art Basel, Frieze, Arco e Fiac, a SP-ARTE trouxe para a cidade de São Paulo, a atmosfera vibrante e estimulante destes grandes eventos, e se estabeleceu no calendário nacional e internacional como um dos mais prestigiados e esperados eventos de arte na América Latina.
MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo – nos dias 29 e 30 de abril e 1 e 2 de maio.
LOCAL Pavilhão Ciccillo Matarazzo - Parque do Ibirapuera, Portão 3 - São Paulo, Brasil
DATAS E HORÁRIOS
29 e 30 de Abril de 2010 (quinta e sexta) - das 14 às 22 horas
1 e 2 de Maio de 2010 (sábado e domingo) - das 12 às 21 horas
INGRESSOS
Ingresso R$ 25,00
Meia entrada R$ 12,00 para estudantes, mediante apresentação de carteira apropriada, e para maiores de 60 anos
A nossa dica é não deixar para ir na última hora ou com pressa, pois o evento é de grande porte e com muita informação visual. Enjoy!
Inspirada nas grandes feiras internacionais de arte como Art Basel, Frieze, Arco e Fiac, a SP-ARTE trouxe para a cidade de São Paulo, a atmosfera vibrante e estimulante destes grandes eventos, e se estabeleceu no calendário nacional e internacional como um dos mais prestigiados e esperados eventos de arte na América Latina.
MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo – nos dias 29 e 30 de abril e 1 e 2 de maio.
LOCAL Pavilhão Ciccillo Matarazzo - Parque do Ibirapuera, Portão 3 - São Paulo, Brasil
DATAS E HORÁRIOS
29 e 30 de Abril de 2010 (quinta e sexta) - das 14 às 22 horas
1 e 2 de Maio de 2010 (sábado e domingo) - das 12 às 21 horas
INGRESSOS
Ingresso R$ 25,00
Meia entrada R$ 12,00 para estudantes, mediante apresentação de carteira apropriada, e para maiores de 60 anos
A nossa dica é não deixar para ir na última hora ou com pressa, pois o evento é de grande porte e com muita informação visual. Enjoy!
20/01/2010
"Arshile Gorky: A Retrospective" no Tate Museum de 10 Fev a 3 Mai 2010
Nasceu em 1904 na Armênia. Dois anos depois seu pai emigrou para os Estados Unidos, para fugir ao alistamento forçado no exército turco. Segundo o seu sobrinho, Karlen Mooradian, ele “adotou o nome Arshile (a versão caucásica do nome real Arshak) e o apelido Gorky (que significa amargo em russo)”. Em 1909 começou a desenhar e pintar. Em 1920 frequentou a Technical High School de Providence. Foi visto como uma figura importante no Expressionismo Abstrato. Sua carreira foi abalada por uma série de tragédias pessoais, que acabou com ele cometendo suicídio em 1948. (Pintura: "Dark Green Painting" - Arshile Gorky)
Maison et Objet, Paris, Nord Villepinte - França - de 22 a 26 de janeiro 2010
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